Análisis del libro "Las Venas Abiertas de América Latina"

Francisco de Goya

Retrato del pintor Francisco de Goya (1826), por Vicente López

Análisis Bibliográfico.- Francisco de Goya y Lucientes nació en el año 1746 en Fuendetodos, localidad de la provincia española de Zaragoza, en el seno de una familia de mediana posición social. Su padre era un artesano de cierto prestigio, maestro dorador. Las relaciones laborales de su padre sin duda contribuyeron a su formación artística.
Cuando tenía poco más de diez años ya comenzaron sus estudios primarios probablemente en los Escolapios de Zaragoza. En 1759 ingresa a la Academia de Dibujo de Zaragoza, dirigida por José Luzán, una edad (trece años) algo tardía, ahí permanecería copiando estampas hasta 1763. De esta época se conoce nada de la obra de goya ya que se perdieron.
Goya es un pintor cuyo aprendizaje progresa y su obra de madurez se revela tarde, incluso antes de su viaje a Italia en 1770, Vueve a Zaragoza en 1771, su arte es balbuciente y tan poco académico que no obtiene ningún tipo de respaldo ni éxito alguno, incluso fracaso estrepitoso en los dos concursos convocados por la Academia de San Fernando.
Muere el 16 de abril de 1828 en Burdeos, Francia.

Análisis Formal.- El inicio la pintura contemporánea    y se considera el precursor de la vanguardia del siglo XX. Tiene 4 periodos artístico que son:

• Primer periodo.-Es un periodo de alegría por la vida, es un pintor de éxito, trabaja en la real fábrica de tapices y gana fama como retratista
• Segundo periodo.- en esta época queda sordo y esto le hace apartarse poco a poco del mundo, por eso y por el destierro de sus amigos ilustrados al creer al no creer en la monarquía que iba a penetrar España , la abolición del antiguo régimen, como habían hecho los revolucionarios en Francia lo que marca un antes y un después de la pintura de Goya y adoptara dos orientaciones antagónicas. Primero las amaneradas y plácidas pinturas de encargo y segundo las pinturas en las que refleja las lacras sociales, como su propia personalidad atormentada.
• Tercer Periodo.- Los horrores de la guerra de la independencia española lo atormentaron, en sus cuadros y grabados dibujaba la brutalidad y criticaba la guerra sin razón. Plasma en sus pinturas las acciones más heroicas de la insurrección de España contra el tirano de Europa.
•  Cuarto periodo.- Cansado de la vida y decepcionado de la sociedad, sus pinturas reflejan el pesimismo propio de un alma atormentada. Compra una finca a orillas del manzanares y allí, de noche, a la luz de las velas pinta un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríos..., donde está presente el odio que intenta depurar a los afrancesados.

Análisis Critico.- A mí como estudiante las obras de Francisco de goya me parecen hermosas y llegas de imágenes fuertes que marcaron cada etapa de su vida, alegrías, tristeza, frustraciones que siente por la amenaza del tirano que quiere conquistar Europa. Personalmente me gustan más sus obras de la última etapa ya que estas muestran más locura de un mundo de fantasías y de cosas que solo en su mente él puede ver tan claros, claro también está que en esta etapa su tecnica es mucho más avanzada y los rasgos ya mencionados se ven con más claridad y dramatismo.

Evidencias.-

 "Cómicos ambulantes" 1793 

(Museo del Prado)

"La Familia de Carlos IV" 1800

 

"La Maja Desnuda" (1790-1800)

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Autorretrato, óleo de 1659

Análisis Bibliográfico.- Nació el 15 de julio de 1606 en la cuidad de Leiden. Fue el noveno hijo del matrimonio formado por Harmen Gerritszoon van Rijin y Neelthgen Willemsdochter van Zuytbrouck. Su padre fue molinero y su madre hija de un panadero profesiones entonces muy lucrativas. 

Recibió su educación básica en latín y posteriormente en 1620 asistió a la universidad de Leiden donde ya mostraba sus aptitudes para la pintura.

En 1621 abandona la universidad e inicia su aprendizaje artístico en su ciudad natal con un pintor llamado Jacob van Swanenburgh, con quien estudia por 3 años. Tras un breve pero intenso aprendizaje de 6 meses con el célebre Pieter Lastman en Ámsterdam.

En 1625 abre su propio taller en Leiden, junto con su amigo y colega Jan Lievens. En 1627 empieza a dar clases de pintura y en 1629 es descubierto por el estadista Constantijin Huygens quien le facilita encargos de la corte. A finales de 1631 se muda a Ámsterdam y en 1634 contrajo matrimonio con su prima Saskia. Murió un año después del fallecimiento de su hijo, el 4 de octubre de 1669.

Análisis Formal.- Rembrandt tubo 4 periodos:

1. Leiden ( 1625-1631).-  En este periodo se puede hablar de una mayor influencia de Lastman y es probable también un cierto influjo de Lievens. En esta etapa las pinturas son bastante pequeñas pero con muchos detalles especialmente en vestidura y joyería. Los temas preferidos son religiosas y alegóricas al igual que los tronies, posteriormente se evidencia su progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos. 
2. Primer Período en Ámsterdam (1632-1636).- Comenzó a pintar escenas bíblicas y mitológicas de carácter más dramático, fuertemente contrastadas y en grandes formatos. 
3. Segundo Período en Ámsterdam (1636-1650).- produjo apenas unas pocas pinturas y grabados con tema paisajismo las cuales solían destacar el aspecto dramático de la naturaleza, reflejada en arboles desarraigados y nubes ominosa, más tarde fue eliminando las rasgos más pintorescos y su estilo se volvió mas sombrío y comedido. A lo largo de la siguiente década sus pinturas adoptaron diversidad de técnicas, estilos y tamaños. Se dio paso a la iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color. Se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados y dibujos de paisajes.
4. Período Tardío (1650-1669).- el estilo volvió a trasformarse, regresan los grandes formatos, los colores se vuelven más intensos y las pinceladas más pronunciadas, en ocasiones se destacaba por su tosquedad de su pincelada. En sus últimos años sus pinturas de temas bíblicos tendieron a una mayor personalización de las figuras y sus emociones individuales. Comenzó una serie de autorretratos impregnados de reflexión y hasta el año de su muerte realizaría 15 versiones de este tema, así como numerosas y emotivas imágenes de hombre y mujeres enamorados, vivos y ante Dios.

Análisis Crítico.- Yo como estudiante pienso que Rembrandt con su obra pretendía demostrar el dramatismo de los pasajes de la biblia así como de los hechos históricos y mitológicos mediante las escenas pintadas con diferentes técnicas como el grabado, pero sin duda la que más me atrajo es su hermosa técnica del claro oscuro. El durante sus diferentes etapas fue reinventándose siempre a medida que su edad y vivencias aumentaban, su evolución llega a su edad madura en la que representaba la vida, el amor y a le mismo reflexivo supongo de la vida.

Evidencias.- 

 "La Ronda de Noche", tambien conocida como "La milicia del Capitán Frans Banning Cocq" 1642, óleo sobre lienzo

(Rijiksmuseum deÁmsterdam)

" El Rapto de Europa" 1632, óleo sobre tabla. 

(Esta obra es considerada un brillante ejemplo de la Edad de Oro de la pintura barroca)

Un típico retrato de 1634 

(Cuando Rembrandt gozaba de un enorme éxito comercial)

Análisis de obras Representativas del Renacimiento

Pintores y  Escultores del Quattrocento

Masaccio (1401-1428)

Autoretrato de Mosaccio

Análisis Bibliografico.- Tommasi di se Geovanni di Mone Cassai llamado Massacio, nació el 21 de diciembre de 1401 en Castel San Geovanni, hoy San Geovanni Valdarno. Hijo del notario Geovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacoba di Martinozzo, en 1406 queda huérfano de padre coincidiendo con el nacimiento de su hermano Gevanni que luego recibiría el sobrenombre de el Scheggia. Su madre vuelve a casarse con un mercader de especies llamado Tedesco di Mastro Feo quién murió el 7 de agosto de 1417.
Masaccio se trasladó a Florencia entre 1417 a 1428, talvez a causa de la muerte de su padrastro. Es posible que aquí comenzara su andadura en el taller de Bicci di Lorenzo o en algún otro. El 7 de enero de 1422 se inscribió en el Arte (gremio) de médicos y especieros, lo cual indica que ya ejercía como pintor autónomo en la ciudad de Arno. 

Análisis Formal.- Se analizará su obra llamada "La Trinidad". Esta es una de sus obras más importantes ya que es el mural en el que se usó por primera vez la teoría de la perspectiva y composición. Uso la técnica al fresco.

Esta pintura representa el dogma de la trinidad en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos. En el centro se encuentra el Cristo crucificado, sostenido por Dios padre (única figura que se escapa a las leyes de perspectiva), bajo la cruz se encuentra la Virgen María y San Juan Evangelista. Más abajo se encuentran los dos comitentes, identificados recientemente como Berto di Bartolomeo del Banderaio y su esposa Sandra, quienes asisten arrodillados a la escena sacra. Debajo de ellos y funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol  bajo el cual se ve un esqueleto yacente al cual acompaña una inscripción: «Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros mañana».

La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado). El uso que hace Masaccio de la perspectiva hace que la composición sea un auténtico trompe trampantojo que hace parecer que el muro está efectivamente perforado. 

Análisis Crítico.- A mí como estudiante me encantó esta obra ya que representa la religiosidad  y sobre todo el uso de la perspectiva ya que esto hace a la obra tan realista que parece que el muro estuviese perforado, en esa época en donde ver esto debió causar una gran conmoción en las personas, supongo debieron haber muchos que pensaron que era brujería para la época, muchos que la apreciaron y muchos que ni siquiera lo notaron, a mi parecer una obra emblemática del renacimiento con clara influencia del Vaticano.
Esta obra es mucho más realista de lo que se había visto hasta esos tiempos donde las figuras dibujadas parecen estatuas y lo más representativo es la arquitectura dibujada austera y hermosa, "la bóveda de medio cañón dibujada en perspectiva y dividida en compartimentos cuadrados que contienen rosetones escorzados y retrocedidos de manera tan habilidosa que la superficie parece estar desdentada" (Vasari).

Evidencias.- 

La Trinidad. Fresco. Masaccio (1425-27). Iglesia de San María Novella, Florencia. Dimensiones: 680 x 475 cm.

Piero Della Francesca

Autorretrato de Piero Della Francesca, detalle de La Resurección

Análisis Bibiográfico.-  Piero di Bennedetto dei Franceschi; llamado tambien Pietro Borghese. Nació en un año no precesado entre 1406 y el 1420, en Sansepolcro, que Vasari.

Composición Áurea

La proporción Áurea cuenta con una larga tradición en la cultura occidental. También llamada sección áurea, proporción divina o número áureo, en realidad se trata de un principio simple, aunque al mismo tiempo enigmático, que se repite hasta el infinito en la naturaleza, el arte y la ciencia. Podemos observar la proporción áurea en la disposición de las semillas en ciertas plantas, en el árbol genealógico de las abejas, en las pirámides, en catedrales góticas, en obras artísticas del Renacimiento, en el cuerpo humano o en conchas, por mencionar solamente algunos de los casos incontables en que se observa este fenómeno.

Los matemáticos lo llaman, el número de oro, número dorado, sección áurea, razón áurea, razón dorada, media áurea, proporción áurea y divina proporción, representado por la letra griega Φ (phi) (en honor al escultor griego Fidias), es el número irracional 1,6180339 … Su historia se remonta a los cálculos que aparecen en tablillas babilónicas y continúa hoy en los fractales de nuestra era digitalizada. Sin embargo, esto solo permite describir de modo muy superficial la singularidad y belleza de esta proporción que rige la naturaleza y sirve desde hace 2.500 años de hilo conductor estético en el arte y la arquitectura.

La composición áurea es un método de división ideal de un rectángulo para componer una imagen basándose en puntos que unen a los lados entre sí. Esta división es tomada como apoyo compositivo, en la mayor parte de las obras, por los grandes maestros de la pintura.

Estas direcciones y puntos sirven para organizar armónicamente las formas que compondrán la imagen, tomando en cuenta las direcciones y puntos generados por el cruce de estas líneas imaginarias.

Da Vinci hizo las ilustraciones para una disertación publicada por Luca Pacioli en 1509 titulada De Divina Proportione, quizás la referencia más temprana en la literatura a otro de sus nombres, el de “Divina Proporción”. Este libro contiene los dibujos hechos por Leonardo da Vinci de los cinco sólidos platónicos. Es probable que fuera Leonardo quien diera por primera vez el nombre de sectio áurea.

Los artistas de Renacimiento utilizaron la sección áurea en múltiples ocasiones tanto en pintura, escultura como arquitectura para lograr el equilibrio y la belleza. Leonardo da Vinci, por ejemplo, la utilizó para definir todas las proporciones fundamentales en su pintura La última cena, desde las dimensiones de la mesa, hasta la disposición de Cristo y los discípulos sentados, así como las proporciones de las paredes y ventanas al fondo.

Leonardo da Vinci, en su cuadro dela Gioconda(o Mona Lisa) utilizó rectángulos áureos para plasmar el rostro de Mona Lisa. Se pueden localizar muchos detalles de su rostro, empezando porque el mismo rostro se encuadra en un rectángulo áureo.

La sección áurea en el arte:

Relaciones arquitectónicas en las Pirámides de Egipto.

La relación entre las partes, el techo y las columnas del Partenón, en Atenas (s. V a. C.).

En los violines, la ubicación de las efes (los “oídos”, u orificios en la tapa) se relaciona con el número áureo.

El número áureo aparece en las relaciones entre altura y ancho de los objetos y personas que aparecen en las obras de Miguel Ángel, Durero y Da Vinci, entre otros.

Las relaciones entre articulaciones en el hombre de Vitruvio y en otras obras de Leonardo da Vinci.

En las estructuras formales de las sonatas de Mozart, en la Quinta Sinfonía de Beethoven, en obras de Schubert y Debussý (estos compositores probablemente compusieron estas relaciones de manera inconsciente, basándose en equilibrios de masas sonoras).